BAphoto estrenó su nuevo formato “Live”, un formato novedoso que va mas allá de una muestra virtual, con contenidos pensados no sólo en la difusión y la comercialización de la fotografía, sino en conocer y profundizar en el mercado de la fotografía. Interesantes charlas en vivo, con reconocidos coleccionistas y artistas internacionales, que se iniciaron con mas de dos meses de anticipación, “caldeando el ambiente” y generando entusiasmo y expectativa entre fotógrafos y amantes de la fotografía.

La plataforma es muy clara y permite navegarla con facilidad; las 95 galerías y los casi 1500 artistas participantes están organizados por orden alfabético y cada uno de ellos están relacionados a un detalle de su bio para que el visitante pueda conocer su trayectoria. La pantalla de inicio indica las secciones curadas, una sección de libros especializados y la sección del Cine Club con joyitas que no son fáciles de encontrar.

Desde el primer día hay organizadas visitas guiadas para que el visitante pueda recorrerla guiado por una mirada profesional. Todas las obras tienen disponibles los precios y esto es un verdadero acierto.

Desde Arte Online convocamos distintas miradas para acercarles sus elecciones. Aún hay varios días para recorrer y disfrutar de todas las posibilidades que ofrece este formato.

¡Bienvenidos!

Para Eleonora Jaureguiberry, gestora de arte y coleccionista, esta edición especial de “BAphoto logró generar un formato digital amigable y claro por partida doble: por la buena lectura de las imágenes y por la exhibición de los precios. Además, las actividades paralelas y los textos curatoriales le agregan información a la obra exhibida y de algún modo compensan la falta de encuentro y conversación entre galeristas, artistas y compradores que es tan importante en las ferias.

En este sentido destaco la obra presentada por la Galería Hache, “Donde el jamón no era jamón”. Se trata de la puesta en valor del archivo del Estudio Luisita, un hallazgo estético y una crónica de época descomunal. Que mejora con el texto curatorial de Francisco Medail y el documental sobre la historia de Luisita que puede verse en la sección Cine Club, una verdadera joya.

La llegada de la fotografía digital fue una herida de muerte para el estudio. Sustentado principalmente en la venta de las copias en papel, lo digital venía a cambiar las reglas del mercado, dejando fuera de juego a las hermanas Escarria.

Por el Estudio Luisita pasaron las principales vedettes del momento como Zulma Faiad, Nelida Lobato, Ambar La Fox, Vanessa Show, y también quienes comenzaban a dar sus primeros pasos en el teatro de revista.

Namborados da samba. Fotomontaje
Además de los encargos para el teatro de revista, desde sus comienzos Foto Estudio Luisita se abocó al retrato de músicos e intérpretes de géneros diversos. Pasaron por allí cantantes de cumbia, boleros, folklore, mambo, entre tantos.

Susana Giménez
Luisita se convirtió rápidamente en uno de los principales estudios fotográficos abocados a la producción teatral de la calle Corrientes.

Retrato de familia.
Montaron el estudio con lo que tenían: un fondo infinito móvil en el living, algunas luces y el laboratorio que se armaba y desarmaba todas las noches. Luisita había aprendido el oficio de su madre, quien ahora regía de supervisora y Chela se encargaba del revelado y los retoques.

Luisa Escaria, autorretrato.
Luisa Escarria llegó a Buenos Aires en 1958. Había abandonado Colombia al igual que su madre y sus hermanas Chela y Rosita, producto de los enfrentamientos armados que caracterizaron aquél período como La Violencia. Asentadas en un departamento de la calle Corrientes, retomaron pronto la actividad fotográfica que venían desempeñando en la ciudad de Cali primero y en Bogotá después.

Interesante también es pensar la relación entre la obra de Grete Stern presentada por la galería Jorge Mara-La Ruche (sobre la cual ya está todo dicho), y la obra reciente de Flavia Da Rin (Galería Ruth Benzacar) que es una suerte de homenaje a la gran Grete. Da Rin se retrata una vez más, esta vez de manera más dramática, sugiriendo que esos sueños (esas pesadillas) no terminaron.”

Por último, me conmovieron mucho las fotos de Alfredo Jaar en la galería Luisa Strina de San Pablo. Es obra de la década del 70 que ya forma parte de nuestra memoria visual, que recomiendo mirar con ojos nuevos. En la serie de fotos exhibida se repite la pregunta “¿Es usted feliz?”, ligada originalmente a un momento dramático de la vida chilena. La pregunta está más vigente que nunca, ya que recorrió el mundo entero en este año en que nos vimos obligados a barajar y a dar de nuevo.

Alfredo Jaar. Public Interventions (Studies on Happiness: 1979-81) - H . 1981- 2016. pigment print mounted on Dibond, framed. 112 x 112 cm AP1 / 3 +2AP US$ 36.000
Alfredo Jaar (Chile) Artista, arquitecto y cineasta. Ha participado en las Bienales de Venecia (1986, 2007, 2009, 2013), São Paulo (1987, 1989, 2010), Documenta en Kassel (1987, 2002). Entre las exposiciones individuales importantes se incluyen: New Museum de Nueva York; Whitechapel, Londres; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; El Museo de Arte Contemporáneo de Roma; y Moderna Museet, Estocolmo. Una importante retrospectiva de su trabajo tuvo lugar en el verano de 2012 en tres instituciones de Berlín: Berlinische Galerie, Neue Gesellschaft fur bildende Kunst e.V. y Alte Nationalgalerie.

Flavia Da Rin en Benzacar Sin título. 2016. Fine art inkjet print, 30 x 22 cm Serie: 5 + 2AP. US$ 3.000
Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978). Estudió en la Universidad Nacional de Artes (UNA), ex Escuela Prilidiano Pueyrredón, especializándose en pintura. Su acercamiento a la fotografía en esos años fue autodidacta y se vio influenciado por el universo de la estética Y2K previo a la explosión del internet que se dio con el cambio de milenio. A partir del año 2001 comenzó a asistir al taller y clínica de obra de Diana Aisenberg. En el 2002 su obra fue seleccionada en el concurso Currículum Cero (Galería Ruth Benzacar). Entre 2003 y 2005 participó de las clínicas de Guillermo Kuitca en el marco del Programa de Talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA- Kuitca). En 2004, expuso por primera vez en la Galería Ruth Benzacar.

Grete Stern en Jorge Mara La Rouche
Sueño # 12, 1948. Gelatina de Plata sobre papel, 22,5 x 28 cm. U$ 6.200.-
Grete Stern (Alemania 1904 – Argentina 1999)
Estudió artes gráficas en Stuttgart y en 1927 comenzó a estudiar fotografía con Walter Peterhans, continuando sus estudios en la Bauhaus de Dessau. Con su amiga Ellen Auerbach, crearon un estudio de diseño gráfico y fotografía experimental. En 1933, con Hitler en el poder, emigró a Londres. Se casó con el fotógrafo argentino Horacio Coppola y juntos se instalaron en Argentina. En 1943 realizó su primera exposición individual en Argentina. Entre 1948 y 1952 realizó los fotomontajes para la ilustración de Sueños en la revista Idilio. En 1975 realizó su primera exposición en la Bauhaus-Archiv de Berlín. En 2015, el MoMA presentó la retrospectiva From Bauhaus to Buenos Aires: Grete Stern and Horacio Coppola.

Para Ana María Battistozzi, crítica de arte, docente, curadora independdiente y gestora cultural "Kriminal" de Oscar Bony en Panamerican Art es un obra que yo compraría seguro si tuviera los medios. De su serie de Fusilamientos y Suicidios que presentó en 1998 en el MNBA es una de las más trágicas teatralmente hablando.  Una imagen histórica que explota los códigos violentos de nuestra sociedad del pasado y presente

La foto de la serie Codreano-Brancusi de Flavia Da Rin 2014 que recuerdo mostró en el MAMBA es de un gran refinamiento visual a la vez que un importante rescate documento- ficcional de Liza Codreanu, una bailarina de vanguardia de comienzos del s. XX su estudio con Brancusi. Me encanta!

Por último elegí esa foto Rojo de Florencia Senra, joven a quien no conozco y creo que no tiene mucha trayectoria pero me atrajo el clima inquietante de la imagen.  Una apuesta a lo desconocido!

Los elejidos de Ana Marínez Quijano, periodista especializada, curadora independiente son Facundo de Zuviría en Vasari, Bruno Dubner y Diego Alberti en ArteOnline.

Las fotografías de Facundo De Zuviría convocan el abanico de emociones que suscita la ciudad de Buenos Aires. “Puerta y dos ventanas, Caballito” (2019), se llama la foto elegida.

Durante casi 30 años y a través de cientos de imágenes, De Zuviría parece haber perseguido una misma fotografía: la fachada de un edificio ubicado en algún barrio de Buenos Aires, mayormente pobretón, pero digno. La estructura constructivista se reitera en los frentes con un idéntico encuadre frontal y la misma reiterada simetría. En el centro del muro rectangular hay una puerta y, a ambos lados, los cuadriláteros que conforman las ventanas.

Si bien el diseño casi abstracto es el soporte de las fotos, cada época posee marcadas características. Las imágenes de los años 80 son más narrativas, hay vidrieras con personajes, brillos, reflejos, glamour. Luego, en la “Siesta argentina”, el drama de la crisis financiera del año 2001 queda a la vista. Los comercios con las persianas cerradas, brindan un testimonio silencioso de un mundo clausurado y opresivo que se asemeja al de la pandemia actual.

La actual serie “Frontalismo”, recupera las viviendas de la sufrida clase media argentina ya en el umbral de la pobreza. Los frentes de una ciudad amenazada están enrejados y protegidos de la violencia creciente.

De Zuviría busca en las líneas simples y austeras de las fachadas, los rasgos que definen lo que él denomina “su esencia, una suerte de argentinidad manifiesta”. De este modo expresa el deseo que señalamos en el inicio de este escrito: la voluntad de capturar nuestra identidad en una sola foto.

Hay una serie de imágenes, unos retratos tomados de la vida cotidiana por Bruno Dubner que se destacan por su condición verídica y casi documental. Todas las fotos llevan un mismo título, “Una mañana de diciembre”, y fueron tomadas en 1919. Se trata de un grupo de mujeres que probablemente estén reunidas para conmemorar algo, algún suceso del pasado. Hay un espíritu de celebración que las hermana a casi todas y bien podría ser el motivo de la alegría que, es evidente, les procura el encuentro.  ¿Son compañeras que vuelven a verse luego de una larga separación? Hay cierta satisfacción en las miradas que corrobora esta tesis y se expresa en sus gestos amables.

No obstante, hay una imagen de dos personajes que, si bien participan como el resto del bienestar que procura esa mañana luminosa y soleada, ostentan, a la vez, una marcada apariencia ficticia. La foto en blanco y negro representa a dos mujeres, una blanca y la otra negra. La intensidad del contraste y la belleza de ambas, atrae con fuerza el ojo del espectador que, sin proponérselo, analiza la gracia estudiada de los gestos y el atractivo de una semisonrisa, mientras continúa tratando de adivinar el motivo del encuentro. El título de la foto, la edad justa entre la juventud y la madurez, las miradas ocultas por lentes obscuros, acentúan la curiosidad del espectador. El fotógrafo dosifica la información y genera una marea de interpretaciones. 

Durante una residencia en el Arteles Creative Center de Finlandia, Diego Alberti realizó una serie de imágenes. Con la lente de la cámara abierta durante alrededor de dos minutos Alberti pudo capturar el camino luminoso creado con una barra de leds que un ayudante lleva en su brazo, como si fuera una antorcha, a un metro y medio del suelo cubierto por la nieve. En medio de la noche y en un bosque abedules la banda de luz blanca se recorta en contra el azul del cielo. El contraste se vuelve más intenso cuando la luz cruza la obscuridad del inmenso bosque. Y la imagen trae a nuestra memoria el recuerdo lejano de la bandera argentina.

Cuando las luces se mueven, se enciende la imaginación. Y el desplazamiento de las bandas con sus ondulaciones se percibe como el flamear de la bandera. En el paisaje de un lugar tan extremo y lejano como Finlandia, el gesto inspirado y poético de Alberti ejecuta, con la luz como aliado fundamental de su arte, imágenes que deparan sensaciones placenteras y movilizan la sensibilidad.

En efecto, nuestro fotógrafo observa que valora la electrónica como parte de la naturaleza y así lo explica: “Es para mí en realidad, un tipo de naturaleza en sí misma. Durante mi residencia en el programa Silence, Awareness, Existence, descubrí un ambiente excelente para desafiar esta creencia”. Aclara entonces que la experiencia fue emocionante que una idea simple que tenía en su mente se convirtió en un verdadero proyecto artístico a gran escala. La obra, con su ejecución sencilla y repetitiva agiganta la escala e interactúa con el paisaje. Por su parte, las luces led tocan los árboles, los bañan con su resplandor y los convierten en parte esencial de la obra.

El espectador está invitado a tomar conciencia plena de un excepcional fenómeno experimental.

Para Gabriel Werthein, coleccionista de arte contemporáneo, sus elegidas en esta edición de BAphoto son:

Oscar Santillan en 80m2 Livia Benavides

La poética de la arena del paisaje convertida en lente que a su vez convierte el paisaje en foto es desconcertante. Como lo es el arte.

Fernanda Lopez en la chilena Aninat Galería 

Estamos amordazados por la pandemia. Y esta foto de Fernanda remite a este estado actual de todos reflejado en esta joven mujer que es casi esclava del silencio.

Bandi Binder en Black Gallery

El espiritu alucinogeno sesentista de estas maravillosas fotos de Bandi Binder me seducen muchisimo. No puedo dejar de admirarlas. Son de una belleza extrema.

Bandi Binder en Black Gallery Sin título. 1969. fotografía vintage con solarización y viraje al azul y al sepia.24 x 36 cm. Pieza única. US$ 5.000
Brandi Binder (Hungría) Es una figura clave en la experimentación fotográfica en el Río de la Plata. Polémico e irreverente, desde los 18 años que emigra de su Transilvania natal a Sudamérica, se dedicará toda su vida a la fotografía. Trabajando en laboratorios, aprende distintas técnicas de revelado y comienza lo que será una larga carrera de experimentación.

Fernanda Lopez en Aninat Galería Tríptico fotográfico impreso en papel.40 x 108 Serie: 3 + 1 P/A + 1 H/C. US$ 700
Fernanda López (n. 1991, Chile) Su investigación visual se centra en cuestionamientos entre el sujeto y su contexto cultural, social y político que habita. Ha participado en proyectos expositivos y residencias nacionales e internacionales, siendo galardonada en distintas ocasiones.

Oscar Santillan en 80m2 Livia Benavides. olaris (8AM). 2019. Impresión, caja de madera, lente hecho al derretir arena del desierto de Atacama. 93,5 x 147 x 5 cm. US$ 12.000
Oscar Santillán (Ecuador, 1980) Artista residente en Jan van Eyck, NL; Fundación Delfina, Reino Unido; Fondazione Ratti, IT; Skowhegan, USA; y actualmente en el Observatorio Astronómico de Leiden, NL, donde está desarrollando un proyecto donde intenta alimentar algas únicamente con la luz de estrellas lejanas.

Gustavo Daniel Ríos, artista, profesor de bellas artes, investigador y coleccionista. Buenos Aires Photo edición 2020, nos acercó sus preferidas:

"Comento aquí de 3 artistas que me han llamado la atención en esta edición online de la feria: Tarea difícil porque hay muchísimos artistas con buena calidad de foto. Son de diferentes generaciones: En primer lugar las fotografías de Flavia Da Rin, realizadas en 2014. Por su tamaño por el uso en blanco y negro me recordaron las producciones fotográficas de las revistas de moda de los años 30 en las que aparecen colaboraciones con entre otras artistas como Sonia Delaunay, la escultura de Brancusi, un gran trabajo de luces y sombras.las mismas se pueden ver en Galeria Ruth Benzacar (Buenos Aires)

En Galeria Cecilia Caballero (Buenos Aires), a través de Andrea Moccio se amplió las posibilidades de impresión en este caso con papel de arroz que resaltan las transparencias de su mundo vegetal.

Para finalizar mi selección elijo a Arturo Aguiar quien en ArteOnline, desarrolla a través del juego de luces una obra en la que le encontró otra vuelta al lenguaje de la geometría."

Arturo Aguiar quien en ArteOnline Forma de luz 962. 2019. Foto performace lumínica/ papel fotográfico 100 x 100 cm. 1/5. US$ 1.000
Arturo Aguiar (1963, San Juan, Argentina) Realizó estudios de Ciencias Físicas en la Universidad de Buenos Aires. Sus obras se encuentran en las colecciones argentinas del Museo Nacional de Bellas artes. Museo de Bellas Artes Franklin Rawson. Museo de Bellas Artes Emilio Pettoruti. Fundación OSDE, Banco Ciudad, y Petrobras. También en importantes colecciones privadas de Argentina, Costa Rica, Estados Unidos, Francia, Noruega, Suiza y España. Su trabajo ha recibido numerosos premios y distinciones.

Andrea Moccio en Cecilia Caballero, Filodendro.2018. Tonergrafía sobre papel artesanal de arroz. 80 x 135 cm . US$ 1.600
Andrea Moccio (1964, Argentina) Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y con Matilde Marín, Alfredo Portillos, Diana Aisenberg. Trabajó en los talleres de Christian Boltanski, en la Escuela de Bellas Artes de París y en el taller de edición de obra gráfica de Manuel Bello, en el Centro Arteleku, San Sebastián. Realizó muestras instalativas entre las que destaca En el Cristal de un Sueño,en el CCK (2017); Frágil, en la fundación Federico Klemm (2015), y Poesía Blanda en el CCR (2004). En 2003 obtuvo la Beca Fundación Antorchas, en 2004 Tercer Premio Máximo Ramos de Grabado, España. En 2016 obtuvo el Primer Premio de Grabado Trabucco otorgado por ANBA, en 2017 el Tercer Premio en el Salón Nacional de Instalación y en 2018 obtuvo el Primer Premio Nacional de Grabado.

Flavia Da Rin. Sin título. 2016. Fine art inkjet print. 30 x 22 cm. 5 + 2AP. US$ 3.000
Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978). Estudió en la Universidad Nacional de Artes (UNA), ex Escuela Prilidiano Pueyrredón, especializándose en pintura. Su acercamiento a la fotografía en esos años fue autodidacta y se vio influenciado por el universo de la estética Y2K previo a la explosión del internet que se dio con el cambio de milenio. A partir del año 2001 comenzó a asistir al taller y clínica de obra de Diana Aisenberg. En el 2002 su obra fue seleccionada en el concurso Currículum Cero (Galería Ruth Benzacar).

Alejandro Ikonicoff Traspasa los límites del coleccionismo y el mecenazgo para generar un rol activo dentro de la construcción de un campo artístico argentino sólido e impulsar a los artistas a la escena internacional. Un nuevo paradigma a seguir. Nos recomienda mirar tres artistas:

Paula Scaparini en Galería Aura, Walter Barrios en Galería Nan y Alberto Goldenstein en Nora Fisch

Alberto Goldenstein en Nora Fisch. Sin título, de la serie Mar del Plata 2001, Fotografía analógica, C-print. 26 x 34 cm. Copia de época US$ 6.000
Alberto Goldenstein (1951, Argentina) Es una de las figuras más relevantes de la fotografía contemporánea argentina, emergió como artista con su mirada sensible, pictórica y espontánea en el contexto de la escena de Buenos Aires alrededor del Centro Cultural Rojas en la década del 90. Ha sido influyente en el desarrollo de la fotografía contemporánea argentina en su rol de curador de la fotogalería del Rojas y maestro de generaciones jóvenes. Realizó muestras individuales en el CCR, la Fotogalería del Teatro San Martín, el Museo Castagnino, el MAMBA de Bs. As y en galerías y museos de México, Madrid, Berlín y Zúrich. Su obra forma parte de las colecciones de fotografía del MAMBA, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Castagnino, MALBA y de colecciones privadas en Argentina y el exterior.

Walter Barrios en Galería Nan. Beso, Femenino. 2015. Fotografía digital de toma directa. 40 x 58 cm. U$ 500
Walter Barrios (1977, Mar del Plata, Argentina En 2002 se recibió de fotógrafo profesional en la Escuela Superior de Artes Visuales Martín A. Malharro. Continuó sus estudios con diferentes becas en Buenos Aires. En el 2009 crea Salto Luz, espacio dedicado a la enseñanza y difusión de la fotografía contemporánea. Expone desde el 2001 en diversos espacios y ferias. A partir del 2006 fue seleccionado y premiado en importantes salones y bienales. Su obra forma parte de diferentes colecciones privadas, así como de la Colección del Museo Castagnino+macro de Rosario al obtener el Segundo Premio del Salón Nacional en el año 2014, y de la colección de la Fundación Itaú, tras ganar, en 2017, el Primer Premio del Salón de las Artes Visuales.

Paula Scamparini en Galería Aura (Brasil).Carregadoras P.S. 01 (Loaders). 2019. Mineral pigment printing. 86 x 130 cm US$5.500
Artista que investiga el universo de la imagen a partir de exploraciones con el lenguaje fotográfico, escultórico, de instalación y performance. Su obra artística sitúa el paisaje como elemento central y lo utiliza como detonante de análisis, encuentros e inquietudes. Esta creación de espacios ficticios, a veces legendarios, permite un diálogo entre construcciones narrativas, tanto imaginarias como fácticas. Su participación en programas o proyectos de residencia en diferentes lugares también estimuló su interés por las dinámicas transitorias y las interferencias culturales. Su trabajo visual revela curiosidades que debaten nuestros sistemas visuales y comunitarios, así como la existencia de las individualidades dentro de estos contextos

Otro coleccionista de arte contemporáneo, Gustavo Mosteiro, nos recomienda prestar atención a Nelson Garrido en Carmen Araujo Arte, Laura Glusman en Diego Obligado Galería de Arte y la obra de Ignacio Iasparra en Cosmocosa

Ignacio Iasparra en Cosmocosa. Sin Título. 2016. Fotografía digital. 70 x 50 cm Serie: 1/5 US$ 1.800
Ignacio Iasparra (1973, Argentina)Sus fotos están en la colección del MALBA y del MAMBA asi como colecciones privadas en Amsterdam, Buenos Aires, Colonia, Nueva York, Houston, México DF, Londres, y Oslo.

Laura Glusman en Diego Obligado. Sin título, 2016. Fotografía color. 83 x 125 cm. Serie: 1/5 US$ 3.800
Laura Glusman (1971, Argentina) Técnica en Fotografía, egresada de la Escuela de Fotografía de Andy Goldstein.
Taller de fotografía con Andrea Ostera. Estudios de transferencia en Polaroid en Berkeley, Universidad de California. Programa en Fotografía en el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York. Realizó exhibiciones en distintos museos y espacios culturales. Vive y trabaja en Rosario.

Nelson Garrido en Carmen Araujo Arte. Nelson Garrido Caracas sangrante, 1993. Fuji C-Flex (año de la copia: 2015) 90,5 x 127 cm Serie: 5 + 2 PA. US$ 20.000.-
Nelson Garrido (1952, Caracas, Venezuela) es un “hacedor de imágenes”, dedicado a la labor de potenciar significaciones y sentidos constituyendo imágenes fotográficas que se instalan en el mundo como dispositivos: sistemas de relaciones, estructuras de elementos heterogéneos, discursos críticos. Su fotografía es de experimentación e investigación, además de las tomas ha realizado fotomontajes en diapositivas, audiovisuales, y escenografías. En el cine, ha realizado trabajos fotográficos y de foto fijas en importantes películas, y ha dirigido documentales y cortos de su propia autoría. Ha realizado series y obras fotográficas que se han expuesto como instalaciones, acompañadas de objetos, sonidos y videos.

Aqui mas sugerencias:

María Luz Gil (Argentina) Construir y habitar I (II).2020. Foto y pintura intervenida digitalmente. Díptico 60 x 40 cm . Serie:1/5. US$ 800 /AR$ n104.000 El díptico
Egresada de la Escuela de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, en 1978. Artista multimedia, con obras en video, fotografía, pintura e instalaciones. A partir de 1994 incorporó en sus trabajos la video instalación. Entre 1983 y 1993 su obra fue principalmente pictórica. Poseen sus obras importantes instituciones y colecciones privadas nacionales CARI, Consejo Argentino para las Relaciones Internacionales, Argentina, Fundación Barceló, Palma de Mallorca, España, Consulado Argentino de New York, USA.

Jorge Miño(1973, Argentina) Sin Titulo, 2020. Impresión digital en papel de algodón. 200 x 150 cm Serie: 1/5 + 1 PA US $8.500
Crea fotografías de gran formato en arquitecturas transitorias y en movimiento, espacialidades que sugieren un cambio constante en la percepción de quienes circulan a través de ellas visualmente. La calidad fantasmal de las imágenes estrictamente figurativas, junto con otras imágenes que bordean lo abstracto, sugieren la inmanencia del tiempo y lo que ya no está materialmente presente sino que permanece en la distancia. Recibió capacitación en varios talleres y ha asistido al artista Guillermo Kuitca durante casi 15 años. En su carrera se destacan premios de instituciones argentinas, exposiciones individuales y colectivas. Sus obras son parte de colecciones públicas y privadas en Argentina, Holanda, Perú y USA.

Adeline Thibaud (Argentina) Altares III 2020. Fotografía digital, toma directa, impresión Giclée. 30 x 20 cm c/u. Serie 7 + AP US$ 2.000 (políptico x12)
Artista visual, fotógrafa. Egresada de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Trabaja en proyectos fotográficos desde el 2009. Expuso en forma individual en Los Encuentros Abiertos - Festival de la Luz. Participa en numerosas exposiciones colectivas, entre otras, Premio Arte x Arte y Nano Festival (FOLA). Su trabajo fue exhibido en el CCBorges y en BAphoto.
En su proyecto Altares, busca el equilibrio, el orden y la belleza de los objetos cotidianos poniendo en tensión lo natural y lo artificial. Construye imágenes donde cambia la función y las propiedades de los elementos y los utiliza para reflexionar sobre el paso el tiempo, la finitud y la relación del hombre con la naturaleza.

Lola García Berro (1973, Argentina)Nieves de Catamarca . 2018. Gelatina de plata tonificada al selenio. 50 x 50 cm. Serie: 1/12 US$ 450
Lola García Berro nació en 1973 en Buenos Aires. Comenzó sus estudios de fotografía en 2003 mientras vivía en Estados Unidos. En 2009, ya de regreso en Buenos Aires, profundizó sus estudios sobre fotografía fine art en la Escuela de Diego Ortiz Múgica, donde hoy es profesora. Sus cursos avanzados incluyen sistema zonal, training de laboratorio, photoshop, y workshops con Bruce Barnbaum y John Sexton. Expuso en diversas muestras importantes como BAphoto, Museos Lucy Mattos y Sívori, Sociedad Central de Arquitectos, entre otros.

Diego Ortiz Mujica en Diego Ortiz Mujica Fotografias. Panadero de Niko. 2020. Toma analógica, digitalización del negativo.60 x 60 cm Serie: 1/12
$ 156.000.-
Fotógrafo referente mundial del Sistema Zonal y el Fine Art Printing. Su obra fue exhibida en el MNBA, CCR, CC Borges, CCK, etc. Ha realizado exhibiciones en NY, Washington, Palma de Mallorca, Frankfurt, etc.
Su obra forma parte de la colección del MNBA. Varias de sus imágenes son parte de la colección Smith, en la muestra Grandes Maestros del siglo XX.

Jose Pereyra Lucena (1984, Buenos Aires, Argentina) A la hora del té. 2017. Impresión Lambda en papel Kodak Endura Metallic. 120 x 180. Serie:2/10 US$ 2.200
Cazador de instantes únicos, paisajes despojados y cielos nocturnos logrando relatos climáticos y emotivos. Jose se ha formado con Diego Ortiz Mujica. Fotógrafo revelación en la feria BAPhoto 2010. Sus trabajos fueron publicados en numerosas revistas como Harpers Bazar, Hola, Brando, Living y para Ti entre otras. La esencia de su trabajo tomó forma con el libro "Al Este". Su trabajo lo ha llevado a recorrer el mundo y registrar personajes como Jane Birkin, Charlotte Gainsbourg, el director de cine James Ivory, la ex primera dama Juliana Awada y los reyes de España. En BAPhoto 2020, Jose presenta de la mano de Budapest Art Society, una serie de fotos que reflejan al hombre frente a un universo infinito.