Nota publicada online
Del 3 al 8 de diciembre se celebró una nueva Semana del Arte en Miami. Son una docena ferias al mismo tiempo con Art Basel Miami como epicentro. Pinta Miami despierta especial interés por ser la única especializada en arte latinoamericano y gestada por un argentino.
Durante la Semana del Arte de Miami, la ciudad parece respirar distinto. El aire se vuelve más espeso, cargado de expectativas, encuentros fugaces y conversaciones que saltan del inglés al español, del mercado al misterio. Las veredas de South Beach se llenan de catálogos doblados bajo el brazo, credenciales que repiquetean en el pecho, mapas de ferias abiertos como cartas de navegación. Es una romería contemporánea donde miles de personas se desplazan de una feria a otra buscando algo más que imágenes: buscan señal, revelación, pertenencia.
Para los artistas, esta semana es un vértigo doble. Por un lado, la exposición máxima: obras colgadas bajo luces blancas, observadas por ojos expertos y curiosos, fotos rápidas para redes sociales. Por otro, la fragilidad: la sensación de quedar a la intemperie, de ser leídos en segundos, vendidos en minutos o ignorados sin ceremonias. Caminan las ferias como quien visita un bosque lleno de espejos: cada reflejo los multiplica, pero también los confronta con preguntas esenciales. ¿Qué lugar ocupa mi obra aquí? ¿A quién le habla? ¿Qué idioma visual logra atravesar este ruido constante?
Los coleccionistas viven la semana como una cacería elegante. Agenda en mano, citas coordinadas con meses de anticipación, se mueven entre galerías como conocedores de una coreografía secreta. Buscan piezas, sí, pero también relatos: el artista emergente que aún no explotó, la obra que completa una serie amada, la certeza de haber llegado antes. Negocian precios mientras degustan cócteles, sopesan intuiciones tanto como inversiones. La compra, en estos días, se convierte en un gesto casi performático: elegir es también narrarse a sí mismos.
Para los gestores y curadores, Miami es un tablero gigantesco. Conectan nombres, proyectos, museos, bienales futuras. Entre inauguraciones y desayunos de trabajo, tejen redes invisibles que sostienen la escena del año siguiente. Hablan de programas públicos, de residencias, de circulación regional. Saben que esta semana, más que vender arte, se venden ideas: exposiciones por venir, colaboraciones improbables, promesas que tal vez se materialicen mucho después, cuando el clima vuelva a ser menos eléctrico.
Y mientras tanto, la ciudad observa. Los hoteles se transforman en galerías efímeras, las playas en pasarelas informales, los museos en epicentros de espera. Miami se vuelve un escenario vivo donde el arte se mezcla con la moda, la música, la fiesta. Todo sucede demasiado rápido, como si hubiera urgencia por verlo todo antes de que se disuelva.
ART BASEL MIAMI BEACH
Reunió 283 galerías líderes de 43 países y territorios (48 expositores primerizos). La feria este año atrajo a más de 80.000 asistentes durante sus días VIP y de público; recibió a destacados coleccionistas privados y mecenas de América, Europa, Asia, África y Oriente Medio, lo que refuerza la posición de Art Basel Miami Beach como el principal mercado y plataforma de descubrimiento de arte moderno y contemporáneo en el hemisferio occidental. Los expositores reportaron ventas dinámicas en todos los sectores y segmentos del mercado, con la incorporación de obras de maestros de posguerra y modernos, destacados artistas contemporáneos y talentos emergentes a importantes colecciones públicas y privadas. Entre las adquisiciones más destacadas se encuentran obras de Ruth Asawa, Sam Gilliam, Alice Neel, Andy Warhol y Martin Wong. También se destacaron los redescubrimientos de Emma Amos, Eva Olivetti y Juliette Roche, así como de figuras emergentes como Kelsey Isaacs, Cisco Merel y Adriel Visoto.
La feria recibió a representantes de más de 240 museos y fundaciones de todo el mundo. Su presencia reafirmó la importancia de la feria como plataforma de primer nivel para el descubrimiento, la adquisición y la participación institucional en todo el continente americano y más allá.
MERIDIANS
Uno de los sectores más esperados de la feria, es el epicentro de la ambición curatorial: una plataforma donde artistas y galerías de todo el continente americano y más allá expanden los límites de la forma. Curada por Yasmil Raymond, ex rector de la Städelschule y director de Portikus, la edición de 2025, The Shape of Time, reunió 19 obras de artistas multigeneracionales e internacionales cuyas prácticas exploran cómo el arte puede encarnar, distorsionar y suspender el tiempo. Instalaciones ambiciosas a gran escala, obras multimedia inmersivas y esculturas monumentales profundizaron la narrativa expandida de este año de las Américas. Entre las más destacadas se incluye la videoinstalación inmersiva Buzzing/Zumbido (2009) de Silva Rivas representada por Rolf Art.
Combinando animación digital con tomas reales, la obra de Silvia Rivas cuestiona la ilusión del realismo, creando una atmósfera hiperreal en la que las moscas domésticas -omnipresentes e insistentes- desatan una coreografía de tensión entre acción y consecuencia.
Sector NOVA
Dedicado a obras creadas en los últimos tres años, aquí Rolf Art presentó un proyecto centrado en la selva amazónica desde una perspectiva biocéntrica y biopolítica, destacando cómo los artistas latinoamericanos, en colaboración con comunidades indígenas, comprenden y representan este territorio, al mismo tiempo que examinan tanto las historias locales como las percepciones extranjeras. El proyecto reúne la obra de Roberto Huarcaya- figura clave de la fotografía contemporánea peruana- en colaboración con el artista y activista indígenatambién peruano Rember Yahuarcani exponen un imponente fotograma intervenido de la serie Amazogramas (2025). En diálogo con esta obra MAPA TEATRO (b. 1984, Colombia) —laboratorio de experimentación y creación transdisciplinar— en colaboración con la Comunidad Nukak y Javier Navarro presentan La vorágine más allá: Macharoko (2024-2025), un mosaico de linograbados y una pieza de vídeo, que ha sido destacado tanto en la Bienal das Amazônias 2025 en Brasil como en el Musée du Quai Branly, Francia. Esta propuesta crítica desafía los imaginarios extractivistas, promoviendo la colaboración y la creación colectiva como actos de agencia política y construcción de futuro.
En esta sección también participó W-galería con obra de Claudia del Río.
Ruth Benzacar Galería de Arte
La galería que celebra su 60 aniversario recuperando un diálogo histórico: aquel en el que arte y ciencia fueron una misma fuerza de imaginación, descubrimiento y transformación.
Seis artistas argentinos de distintas generaciones que utilizan la imaginación como herramienta para crear mundos y activar nuevas formas de transformación social a través del asombro, la belleza y la extrañeza. Tomás Saraceno, Ernesto Ballesteros, Liliana Porter, Chiachio & Giannone, Stella Ticera y Ulises Mazzucca abordan, cada uno desde su lenguaje, las tensiones de un presente aparentemente inmaterial, marcado por tecnologías de alta velocidad, redes sociales y realidades digitales que se presentan como neutras y sin ideología.
Chiachio & Giannone presentó su Kabinet en el que cambiaron una obra por día. La serie "Madurones", representa la vida de hombres maduros gays y fue creada en Miami, Buenos Aires y Córdoba, usando fotos y técnicas como pintura, patchwork y bordado.
Barro Arte Contemporáneo
Una imponente obra de Mondongo, dialogan con obras de Alejandra Seeber, Pablo Reinoso, La Chola Poblete, y Guillermo Kuitca.
Pasto en la sección Positions, con un solo show del artista Manuel Brandazza (Rosario, Argentina. 1975) quien estudió la carrera de diseño de Indumentaria textil en la UBA. Durante el mes de noviembre de 2025 participó de la residencia en el Espacio 23; allí produjo la obra expuesta en la feria. A través de textiles, cerámica y escultura, Brandazza captura la poesía y la espiritualidad del río Paraná. Expande su cuenca hacia otras geografías, creando una cartografía onírica que reconecta los elementos espirituales de la biosfera. Es una invitación a escuchar al río, a deambular entre sus mitos y a experimentar el cuerpo como territorio.
Isla Flotante (en alianza con la galería brasileña Galatea) presentó en su stand a los artistas: Pablo Accinelli, Mariela Scafati, Valentín Demarco, Rosario Zorraquín, Tobias Dirty y Ana Prata.
Central Fine, galería establecida en Miami de artista salteño Diego Singh. Su obra dialoga con artistas de Miami y con la original obra de Max Pérez joven artista de Salta. Recientemente abrió su sede en su tierra natal, Salta, en San Isidro Chico.
PINTA MIAMI
Celebró su edición 2025 en The Hangar, en Coconut Grove, recibió 19.000 visitantes, 44 galerías internacionales de 28 ciudades alrededor del mundo y un programa sólido que reafirmó su rol como plataforma líder del arte ibero–latinoamericano durante Miami Art Week. Con importantes adquisiciones institucionales, buenas ventas de artistas consolidados y emergentes, y un programa con más del 60% de participación femenina, esta edición reforzó el compromiso de Pinta con la diversidad de voces artísticas y el diálogo entre artistas, coleccionistas, curadores e instituciones.
Liderada por la Curadora Global de Pinta, Irene Gelfman, la feria presentó la Main Section junto a NEXT, curada por Juan Canela, y RADAR, curada por Isabella Lenzi. Galerías de América y Europa —incluyendo Argentina, México, Bolivia, España, Venezuela, Colombia, Brasil, Estados Unidos, Perú, Chile y Portugal— exhibieron una amplia variedad de prácticas establecidas y emergentes.
El liderazgo femenino estuvo en el centro de esta edición, con más del 60% de participación de mujeres en toda la feria. Uno de los momentos clave fue el "Women of Vision Breakfast" en The Hangar, que homenajeó a la historiadora del arte Carol Damian, Ph.D., y a Susan Fontanals, Directora Ejecutiva de la CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation, por sus contribuciones fundamentales al arte latinoamericano y a las oportunidades para mujeres en el campo.
“Después de 19 años de Pinta Miami, la voz y la fuerza del mercado del arte latinoamericano son innegables, y es un orgullo que Pinta Miami lidere este circuito, expandiéndolo aún más hacia las zonas del sur de la ciudad durante Miami Art Week”, compartió Diego Costa Peuser, Fundador y Director Global de Pinta Group.
Durante esta edición, Pinta Miami anunció el NEXT Prize, otorgado por cuarta vez para apoyar la experimentación en las prácticas artísticas. El galardón fue compartido por Galería Arteconsult (Ciudad de Panamá), con la artista Andrea Santos, y Ceibo Gallery (Miami), con Blanca Machuca, seleccionadas por un jurado compuesto por Irene Gelfman, Isabella Lenzi y Rafael Fonseca. Uno de los grandes momentos fue el Premio EFG Latin America Art Award 2025, en colaboración con ArtNexus: Ana Mazzei, nominada a través de SP-Arte, por su obra Estrela (2024), presentada por Martins & Montero Gallery.
White Lodge
Participó en el sector principal con Nicola Costantino, Nushi Muntaabski, Laura Spivak, Agustina Branchi, Claudia Santanera y Javiera Gart. La selección de artistas pone foco en artistas mujeres de origen latinoamericano (Rosario, Corrientes, Córdoba, Santiago de Chile, Buenos Aires, Mar del Plata). Inspiradas en el paisaje y las costumbres y la mitología del cono sur del nuevo continente, la curaduría ofrece un recorrido por diversas materialidades, se tejen historias prehispànicas (tejidos ancestrales de palma caranday de Claudia Santantanera) en diálogo con otras técnicas de tejido en algodón orgánico inspiradas en los nudos de los gauchos correntinos (Agostina Branchi). Las pinturas de Laura Spivak se inspiran en una naturaleza doméstica de patios porteños mientras que las esculturas de Nushi hablan de huerta y de cultivos también domésticos. Los jardines colgantes inversos de la gran artista argentina Nicola Costantino en cerámica coloreada se contrastan con los paisajes remotos donde habitan mujeres abriéndose a la vida, de la novel artista Javiera Gart.
A su vez, Nicola Costantino fué la artista invitada de la feria con una instalación de sitio específico “ParDés: Kiosko de flores”
Biga Art Gallery
La galería funciona como un laboratorio creativo convirtiéndose en un espacio de reflexión y diálogo, trabaja con artistas con peso propio, de distintas generaciones y regiones del país.
El emblemático poncho de María Silvia Corcuera realizado con cápsulas de café e hilos de seda ocupó un lugar central, junto alas coloridas obras de la serie PENCALES de Enrique Salvatierra, una significativa obra textil con inclusión de barro que dialogan con pequeñas pinturas generativas del histórico Miguel Angel Vidal y la contemporaneidad de los textiles de Federico Kirschbaum, originales paisajes de cristal de roca.
Los textiles de la catamarqueña Celina Galera -quien entreteje bellones, lentejuelas y semillas- se lucieron junto a los textiles de Claudia Pucheta- también de Catamarca- construyendo narrativas visuales que invitan a la introspección y al diálogo entre el espectador y la obra.
Las máscaras de Marcelo Toledo exploran temas como la identidad y la cultura de los pueblos indígenas de América Latina, empleando a menudo técnicas ancestrales en diálogo con los textiles de Sergio Ehlert, quien viene experimentando con técnicas ancestrales vinculadas a las comunidades indígenas de los Valles Calchaquíes.
Pabellón 4
El proyecto que llevó a Pinta 2025 articula la obra de 5 artistas jóvenes y 3 maestros destacados, con un foco particular en la geometría, el arte óptico y cinético. Ellos son Julio Le Parc, uno de los artistas mas importantes del mundo del movimiento del arte geométrico y cinético; Eduardo Rodriguez y Perla Benveniste, que han desarrollado sus investigaciones trabajando con arte cinético y óptico en los años 60 en el instituto Di Tella.
Dino Bruzzone, nos permite pensar el cruce entre fotografía y pintura, escanea un cómic, que descompone en RGB, realiza el dibujo de lineal que luego enmascara con un mapa de puntos, como quien proyecta una imagen sobre un papel fotográfico, para luego pintarlos, logrando un efecto óptico cinético recurrente. Paula Otegui, superpone patrones figurativos, abstractos, geométricos y manchas, creando una trama visual compleja, para lo cual echa mano a toda una serie de recursos plásticos contenidos por una composición estricta. Paul Sende proviene de la era digital y este medio le ha permitido indagar e investigar en el arte lumínico y geométrico, como medio para la realización de instalaciones y esculturas en ocaciones de grandes dimensiones, dentro de su búsquedas la luz y el color son los ejes temáticos que encuentran soporte dentro de la geometría. Jimena Fuertes inscribe su producción dentro de la abstracción geométrica, sus obras proponen situaciones y juegos a partir de figuras como el triángulo, el octógono, trapecios, y otros, en especial.
La obra de TEC se mueve entre los espacios públicos y el estudio, explorando las relaciones entre la ciudad, el cuerpo y el territorio, la serie ON/OFF pone en evidencia el colapso del trafico vehicular de capitales de gran escala como San Pablo y Rio de Janeiro utilizándo una delicada edición de filmaciones con Dron que luego incorpora a unas TV que pinta logrando un lenguaje innovador con la utilización de la tecnología.
Espacio AMIA
La propuesta de Amia es un homenaje al barrio de Once en la ciudad de Buenos Aires. Un barrio moldeado por el aporte de las inmigraciones judías de Europa del Este, donde se sitúan numerosas Sinagogas, instituciones judías, comercios Kosher. El símbolo de la identidad Judeo - argentina fue brutalmente atacado el 18 de julio de 1994. Con el atentado a la Amia donde 85 personas fueron asesinadas.
El Once es el lugar donde la institución decidió reconstruir su edificio y multiplicar sus misión institucionales. En Once los negocios se encuentran atiborrados de mercadeías y se pueden encontrar oportunidades. Hoy el once es un barrio con memoria y posee un perfil muticultural de inmigrantes. El Once creció y se aggiornó con la llegada de nuevas comunidades, con una convivencia en diversidad. La propuesta invita a recorrer el stand empapelado de obra. El deseo es que se encuentre en la solidaridad una oportunidad. Se exhiben obras de artistas como Liliana Porter, Matias Duville, Marta Minujín, Pablo Siquier, Ernesto Ballesteros Alejandro Thorton. Carlos Herrera, Guillermo Iuso, Gachi Hasper, Eduardo Stupia y Guillermo Kuitca, entre otros.
Ceibo
La galería radicada en Miami en Pinta, se presenta con Blanca Machuca artista textil que trabaja con relatos vinculados a la memoria y al trabajo manual. Blanca es tucumana se interesa por lo comunitario, la ritualidad y los aspectos simbólicos de la imagen. Al definirse como artista popular, escapa de los cánones académicos para trabajar “desde el silencio y sin prisa”, como nos dice, generando un modelo de producción que desafía la lógica de legitimación del campo artístico formal.
Galeria YuVa
YuVa es una una galería de arte que surge en Santiago del Estero con la fuerza de lo local y la ambición de lo universal. No es solo un espacio expositivo: es un manifiesto que intenta trascender fronteras, inscribiendo la voz de sus artistas en el mapa contemporáneo del arteLa obra de Elda Munar asume una postura amorosa, abarcativa y respetuosa. Narra multiplicidades de creencias, devociones y advocaciones cristianas, paganas, mitológicas y populares, donde los sentires transmitidos de generación en generación revelan una cosmovisión en la que todo está conectado. El fetiche surge como símbolo de sostén, condensando fuerzas, memorias y deseos colectivos. El arte, como fuerza viva y transformadora, invita a habitar un mundo que aunque incomoda, duele y hiere, nos impulsa a aceptar lo distinto, lo múltiple, lo que desafía, ejercitar nuestra atención activa, escucharse y escuchar al otro, reconociendo tantas verdades y realidades como un acto posible de paz.
Crudo Arte Contemporáneo
Participó en la sección NEXT con la brasilera Alice Ricci, cuya práctica aborda la relación entre cuerpo, color y arquitectura,
desplegándose en pintura, objetos, instalaciones y proyectos site-specific. Observa espacios -físicos y digitales- para indagar cómo la luz y el tiempo reorganizan la percepción. En diálogo con la Galería Mateo Sariel de Panamá y su artista Gabriela Espla.
NADA
Esta feria es reconocida por promover nuevas voces del arte contemporáneo. Allí estuvo Calvaresi en la Sección Principal, con obras de Alfredo Spampinato, Marcelo Alzetta, Mildred Burton y Nina Kunan.
Vigil Gonzales Galería - Contemporary art gallery ; exhibió un solo show de Gonzalo Hernández en la sección Projects, destacan su práctica entre repetición y lenguaje desde una perspectiva poética y crítica. Utiliza la repetición, el texto codificado y la materialidad de las fibras y la pintura para enmarcar experiencias íntimas dentro de presiones sociales más amplias.
Tomás Redrado Art desafía las perspectivas convencionales y fomenta la exploración de formas de arte innovadoras, priorizando la autonomía creativa del artista y promoviendo un entorno donde romper las normas e interactuar de forma cercana con el público.
Con sede en Miami y Arenas José Ignacio, programación temporal en Buenos Aires y una futura nueva sucursal en dicha ciudad, presentó a Jessica Trosman, Maggie Petroni, argentina que vive y trabaja en Ciudad de México, Luna Sudaca y Francisco Montes de Buenos Aires y Julia Retz quien vive entre San Pablo Y Rio.
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El Mirador
La propuesta reunió a dos artistas de vanguardia: Jimena Travaglio quien retoma la tradición de los telares y, mediante técnicas de tejido artesanal, crea tapices de cristal que desarrollan morfologías que vinculan motivos folclóricos y los analogan con circuitos informáticos y códigos tecnológicos, generando un encuentro poético entre la técnica, la tradición y las contingencias de la presión tecnocrática sobre las comunidades de los países periféricos. Alejandro Gabriel presenta una serie de esculturas impresas en 3D, tratadas mediante un proceso de postproducción artesanal, basadas en su imaginario queer de la ciudad.
DAM
Se trata de una comunidad artística colaborativa que promueve y conecta a artistas latinoamericanos con públicos de todo el mundo. Presentaron dos artistas nacidos en los 70.
Rafael Parra Toro es un artista multidisciplinario venezolano radicado en Argentina, cuya obra explora la intersección entre tecnología, percepción y espiritualidad contemporánea. A través de instalaciones basadas en luz, técnicas digitales y un lenguaje geométrico muy propio, sus piezas reflexionan sobre la relación entre la conciencia humana y las estructuras que moldean nuestra realidad. Parra Toro ha expuesto internacionalmente y es reconocido por crear experiencias visuales inmersivas.
Juan D'Lala, es un artista argentino, que trabaja principalmente en pintura y técnicas mixtas. Es un artista geométrico que ha ganado gran visibilidad por su energía expresiva y su reinterpretación contemporánea de la tradición visual latinoamericana. Su obra se basa en pasajes de color y juega con la iluminación de colores.
"Concrete Coral"
Se trata de una instalación de arte submarino de Leandro Erlich en Miami, parte del proyecto The ReefLine que presenta coches de hormigón moldeados como un "embotellamiento" sumergido, diseñados para convertirse en arrecifes híbridos que albergan vida marina y corales, combinando arte, ciencia y restauración de ecosistemas para proteger la costa de Florida Un proyecto ecológico de esculturas submarinas ideado por Ximena Caminos y Alan Faena. (Foto Gentileza The ReefLine/Brittany Weber)
Espacio 23
Fundado por el coleccionista Jorge M.Perez, presentó la A World Far Away, Nearby, and Invisible: Territory Narratives in the Jorge M. Pérez Collection, donde se exhibió la obra colaborativa de gran formato titulada Amazonías paralelas (2024) realizada por Roberto Huarcaya y Rember Yahuarcani. En esta misma exposición, se incluye una obra de la artista rosarina Graciela Sacco.
“La calle no me define” en el Art Week Miami 2025
La Asociación Civil Grupo Madre Teresa, trabaja hace más de 4 años, en la ciudad de Rosario con personas en situación de calle. Utilizando las instituciones culturales públicas y privadas como plataforma de experimentación, se buscas una nueva dimensión de la usabilidad del arte. Cada proyecto representa un desafío creativo, educativo y emocional.
Homenajeando 120 años del nacimiento de uno de los mejores artistas plásticos, Antonio Berni, el proyecto generó una pieza única hecha a mano, y encapsulada entre dos placas de acrílico, llamado “Juanito de la calle”. Esto fue parte de la agenda de la Cancillería de la Argentina en la ciudad.
Uno de sus objetivos es la difusión internacional de un proyecto que trabaja en la cooperación del ecosistema del arte y de situación de calle, generando una nuevos usos del arte a nivel creativo, estético, regenerativo y emocional.
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La Semana del Arte de Miami no es sólo una feria expandida: es una experiencia colectiva hecha de intensidad, deseo y cansancio luminoso. Quienes la viven regresan a casa con valijas llenas de catálogos, tarjetas y promesas, pero sobre todo con una sensación compartida: durante unos días, el mundo del arte se concentró ahí, latiendo fuerte, mostrando tanto su glamour como su vulnerabilidad. Una celebración brillante… que también deja al descubierto lo profundamente humano que sigue siendo crear, mirar y elegir arte.
