Nota publicada online

miércoles 12 de noviembre, 2014
ARTBO
La Feria Internacional de Arte de Bogotá (Oct. 23-27), celebró su décimo aniversario de manera contundente.
por Julia P. Herzberg, historiadora de arte y curadora
ARTBO

En esta edición participaron seis argentinas: Del Infinito Arte, Document Art Gallery
, Henrique Faria Buenos Aires
, Ignacio Liprandi, Rolf Art
 y Ruth Benzacar 


ARTBO recibió unos 30.000 visitantes durante los cinco días de feria y se estima que 7.000 personas asistieron a la noche de apertura. 

La Cámara de Comercio de Bogotá, organizadora de la feria, promueve la idea de que ésta tiene el potencial para posicionar las artes visuales a nivel nacional e internacional. Los fondos públicos y privados apoyan el amplio programa que incluye, además de las galerías comerciales y no comerciales, exposiciones, talleres, foros, visitas guiadas en galerías, museos, residencias y otros espacios públicos de la ciudad.

A juzgar por la calidad del arte contemporáneo exhibido por las sesenta y seis galerías de treinta ciudades de todo el mundo, la feria superó las expectativas de excelencia. (Ver el sitio web ARTBO para la lista completa de galerías participantes.) El diseño ferial contempló stands que se abrían a amplios corredores, permitiendo una fácil circulación. La mayoría de las galerías presentaron selecciones cuidadosamente curadas, mostrando un arte atractivo y, en muchos casos, informativo. Los siguientes espacios que presentaron de una a tres obras de artistas en diálogo con los demás son dignos de mención: Johannes Vogt Gallery (Nueva York) presentó a Cristóbal Lehyt y Ricardo Alcaide; Galería Habana (La Habana ), a Ariamna Contino , Donis Flores, y Rigoberto Mena; Galería Gregor Podnar (Berlín), a Goran Petercol, Tobias Putrih, y Ariel Schlesinger  Párese Nº 105 (Bolonia), a Irma Blanco, Paolo Icaro, y Franco Vaccari; Galería Jaqueline Martins, a Stuart Brisley; León Tovar Gallery (Nueva York ), a Carlos Cruz Diez, Jesús Rafael Soto, y Bernar Venet; Galerie Cristiana Lethert (Colonia ), a Imi Knoebel y Lutz Fritsch; Luciana Brito (Sao Paulo), a Rochelle Costi y Pablo Lobato.

Matilde Marín. Mirando la Noche (2014). 

Instalación de papel de fibra de formio, 100% teñido con anilina química, terminación exterior de laca poliuretánica y esencia de perla. 350 x 360 cm. 

Cortesía de Del Infinito Arte Galería, Buenos Aires y la artista

La abstracción, en constante evolución con sus mutaciones y transformaciones, y foco de interés para colecciones privadas y públicas, capturó mi atención con obras tan memorables como la de Laureana Toledo Composición Con Rojo, Azul y Amarillo (2004) en la Galería La Caja Negra (Madrid); la obra de Matilde Marín Mirando la Noche (2014) en la Galería Del Infinito Arte (Argentina); Imi Knoebel Come to My Green Side B 12-6 y 12-2 B (2012) en Galerie Cristiana Lethert (Colonia); Sin título de Mariano Dal Verme (2014) en Sicardi Gallery (Houston); de Roberto Diago Nº 7  de la serie Entre Líneas (2012) en Magnan Metz Gallery (Nueva York); Oswald Maciá Flying Glasshouse (2013) en Henrique Faria (Buenos Aires y Nueva York); Línea de Tiempo de Eduardo Basualdo (2014 ) en Ruth Benzacar (Buenos Aires); y la Escritura Vertical de Irma Blank (1994) en el stand Nº 105 (Bolonia).

Oswald Maciá, Flying Glasshouse, 2013,

Tinta, cera marrón Victory y hoja de plata sobre papel.

Cortesía de Henrique Faria, Buenos Aires.

Foto: Arturo Sánchez

Eduardo Basualdo, Linea de tiempo (detalle), 2014.

Soga, medidas variables.

Cortesía Ruth Benzacar, Buenos Aires  

Otro aspecto interesante de la experiencia ARTBO fue el encuentro con obras históricamente importantes producidas hace varias décadas que no son muy conocidas por el público internacional o escasamente reconocidas por los profesionales de arte del mundo. Estos incluyen fotografías de Lotty Rosenfeld y Braco Dimitrijevic de las acciones performativas en los espacios públicos (Espaivisor Gallery, Madrid). La fotografía vintage de La Casa Blanca, Washington, DC, de Rosenfeld (1982) es uno de los documentos más significativos de acciones performativas políticas de su tiempo (Galería Isabel Aninat, Santiago). Varias obras de Iván Contreras Brunet también contribuyeron a la comprensión de un artista cuyo trabajo ampliado la base del arte cinético abstracto en América Latina y Europa (la misma galería)

A pesar de que no eran tan numerosas las fotografías de edificios de gran formato como se ve en la actualidad en ferias y bienales, dos obras notables vienen a la mente: Cristina Iglesias 'Proyecto Tres Aguas: Torre del Agua de 2014 (Galería Elba Benítez de Madrid ) y la Estructura de Santiago Porter (serie Mist II) de 2008 (Rolf Galería de Arte, Buenos Aires ). Ambas hermosas imágenes se ocupan de la ausencia y el espacio y las relaciones entre la historia y las cosas. El edificio de Porter fue uno de los muchos dejado sin terminar después del golpe de estado de Perón en 1955.

Santiago Porter. Cortesía de Rolf Galería de Arte

Estructura (2008) de la serie Msit II. Edición de 7

Entre las obras llamativas por su inventiva visual y conceptual cabe destacar la de Elena Damiani Mármoles Erráticos de 2014 (Baró Galeria, Sao Paulo). La serie se compone de imágenes de enormes rocas, que se cree que han sido movidas por la acción glacial entre los siglos XVIII y XIX. Collage sobre guardas de mármol que dan por resultado interesantes yuxtaposiciones de patrones e imágenes de afloramientos ásperos de la naturaleza estéticamente diseñados a mano. De Ariamna Contino Arsenal: Ataque en el Metro de Pekín de la serie Arsenal de 2014 (Galería Habana) un trabajo realizado en papel cortado en capas que representan las formas de las diversas armas utilizadas para asesinar personas. Curiosamente el artista basa la serie de las armas en los artículos que leía en los periódicos que describen los incidentes. De Marco Maggi Los lápices de Putin de 2014 (José Benvenue Gallery, Nueva York) invita irónicamente a interpretaciones relacionadas con recientes relaciones hostiles entre Putin y sus líneas de alimentación. De Oswald Maciá Flying Glassnhouse de 2013 (Henrique Faria, Buenos Aires y Nueva York) se centra en la zona del cuerpo donde el olor y el sonido se conectan .

Una de las pocas obras socialmente comprometidas fue una escultura del artista colombiano de Ruby Rumié (Nohra Haime Gallery, Nueva York), quien dirigió a un grupo de mujeres en un taller en Cartagena y donde cada una reveló las experiencias dolorosas de la violencia doméstica. Como parte del proceso de curación de cada mujer respiró sus historias en ollas especiales destinados a recibir su dolor. Corona 14 de 2013 es un ejemplo de una vasija de barro negro coronado con figuras de bronce dorados similares a los amuletos que cada mujer había recibido durante su proceso de curación. Carlos Motta de su Estado y susurros transportado por el aire (serie En busca de la We'wha) de 2014 explora la fluidez de género a través de los pueblos indígenas We'wha sus paisajes Sagrados, su tradición, y las ruinas (Galería Filomena Soares, de Portugal).

La sección no comercial, igualmente atractiva, ofreció seis zonas curadas. Curada por José Roca, la zona Proyectos, La Estética uso del objeto, contó con catorce proyectos de artistas contemporáneos cuyas obras navegan por las finas líneas o cruces entre arte (pintura y escultura ), el diseño y, en su caso, la arquitectura. Las obras interrogan la utilidad del objeto en la vida cotidiana. Cada artista fue representado por su galería, por ejemplo, Carpinteros por Galerie Peter Kilchann de Alemania; José Olano por Nueveochenta de Colombia; Mathieu Mercier por Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo, Argentina. El punto de partida de Mercier es la estructura icónica de las pinturas de Mondrian de "equilibrio dinámico" en el que la línea, el color y la forma están en perfecto equilibrio. Drum and Bass 100 % poliéster del artista argentino (2013) sustituye con objetos comunes, cada uno de los colores primarios, para reformular un vocabulario visual y preguntarse sobre las posibilidades funcionales del objeto escultórico .

 Mathieu Mercier, Drum and Bass 100% Polyester, 2003. Estante, frazada azul, manguera amarilla y cajas rojas.

Cortesía Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo

Referentes fue curada por Carolina Ponce de León y Santiago Rueda; tomaron artistas, históricamente conocidos cuyo trabajo abarca los años comprendidos entre 1950 y 1980. La presentación, adoptó un enfoque museográfico con temas distintivos -incluso señalización y diseño-, de artistas que han sido "referentes" de las generaciones más jóvenes, como Lothar Baumgarten, Marisol Escobar, Lucio Fontana, David Lamelas, Liliana Porter, Regina Silviera, y Andy Warhol. Cada artista en Referentes, como en Proyectos, estuvo representado por una galería en la sección principal de la feria .

Dos exposiciones paralelas visualmente atractivas bajo el techo de Coferías. Selva Cosmopolítica en el Museo de Arte de la Universidad Nacional, curada por María Belén Sáez de Ibarra, mostró algunas obras que invitan a la reflexión de artistas que se ocupan de la naturaleza y el ecosistema. Delcy Morelos, Abel Rodríguez, Miguel Ángel Rojas y Miler Lagos crearon instalaciones espectaculares. Temas ecológicos y la sustentabilidad fueron centrales en el trabajo de los artistas en El Bosque intervenido, situadas en el Jardín Botánico José Celestino Mutis y curada por Ana María Lozano. Artistas de dibujo en diferentes tradiciones propusieron variados espacios habitables: Juliana Rojas Góngora ' Hilantes (2014) y la Casa desorientada por Mateo López (artista), Lucas Oberlander (filósofo y arquitecto), y Benjamín Umaña (carpintero ) (Casas Riegner). Yuxtaposiciones interesantes entre los dos "casas" aborda la necesidad humana para desarrollar una vida sustentable en un momento dado, el lugar y las circunstancias históricas. Hilantes es una reconstrucción de una morada subterránea con un pasillo que conduce a la planta baja construida por "los pueblos originarios". Casa desorientada es un módulo situado sobre un arroyo en el parque, un tipo de arquitectura utópica para la vivienda sustentable que se puede construir casi cualquier lugar.

ARTBO se diferencia de otras ferias de arte regional por funcionar como una plataforma para los intercambios comerciales y no comerciales en todo encuentro en una ciudad decidida a presentar una imagen de la creatividad a través de la diversidad histórica, ecológica y antropológica contemporánea